- Se décentrer ou Pour qui les espèces nuisibles sont-elles nuisibles ?
Avec Olivia Rosenthal, romancière, dramaturge et maîtresse de conférences
Précédé par une introduction sous forme de lecture musicale par Olivia Rosenthal et le musicien Eryck Abecassis, intitulée Macadam Animal.
- Cohabiter ou Pourquoi développer des relations diplomatiques avec les loups ?
Avec Baptiste Morizot, philosophe et écrivain
- Observer ou Pourquoi les pissenlits méritent-ils mieux que l’anonymat ?
Avec Emanuele Coccia, philosophe, maître de conférences à l’EHESS
- Nous transformer ou Comment quitter le vide de la religion du consumérisme et de la croissance économique ?
Avec Dominique Bourg, philosophe, professeur à l’université de Lausanne
- Faire des cabanes ou Comment vivre dans un monde abîmé ?
- Habiter ou La nécessité du paysage ?
Avec Jean-Marc Besse, historien, philosophe, directeur de recherche au CNRS et directeur d’études à l’EHESS
- Vivre autrement ou qu’est-ce que penser et agir avec la nature ?
Avec Catherine Larrère, philosophe et professeur émérite à la Sorbonne, et des acteurs du territoire.
Spectacles
La compagnie LagunArte a fait de l’exploration sonore un terrain de jeu infini pour les grands comme les tout petits. Leur nouvelle création s’inscrit tout droit dans la lignée de Mokofina, que nous présentons cette saison. Milia en serait ainsi le prolongement, un nouveau sillon, tout aussi doux et musical, dans un cocon plus tendre encore.
Le décor est planté autour d’une tente en tissu léger. Au centre, une femme, Maryline Pruvost – qui chante également avec Kristof Hiriart dans l’Organik Orkeztra – se fait la maîtresse du son et des éléments, reine de la ruche bourdonnante. Milia devient une expérience totale, avec eau, air, voix, toucher, vent, chaleur, tissu. Un pas à pas sensoriel. Comme à son habitude, la compagnie LagunArte met en en place les conditions d’une expérimentation hors des clous, sonore, sensible. Avec l’oralité comme socle, et la musique dans son acceptation la plus large comme mode d’appréhension du monde.
La vie des autres qui s'écrit… David Geselson prend la plume pour coucher sur le papier des missives jamais envoyées, des mots restés bloqués dans les têtes et dans les coeurs. Partout où il passe, le metteur en scène propose le même protocole aux spectateurs : les écouter pendant 35 minutes évoquer ces mots restés coincés trop longtemps, ces missives fantômes. Puis leur proposer une version écrite. Cela fait quatre ans que le metteur en scène de Doreen sillonne la France avec ces Lettres non écrites, éclairant ainsi d’un autre jour l’infinie complexité de ce qui lie les humains entre eux. Après Lorient, Toulouse, Arles ou Paris, il pose son écritoire en Corrèze. Au plateau, l’agglomérat de lettres agit tel un précipité. Lettres à un premier amour rencontré à 48 ans, à Nelson Mandela croisé dans un avion, à un père mort et encore trop encombrant : des fragments qui disent autant la beauté des relations affectives que la violence du monde.
Il est russe, blond comme les blés, et n’a pas vingt ans. Malgré ses allures juvéniles, Alexander Malofeev fait désormais partie des grands noms du piano. Révélé par le Concours Tchaïkovski en 2014, puis lauréat d’autres grands prix, le pianiste prodige n’a eu de cesse depuis de se faire inviter dans les festivals et salles les plus prestigieuses. Cette virtuosité slave, il la met au service d’un répertoire ample, et d’une interprétation déliée mais intense. Dans ce programme aux accents venus de l’est, il passera d’un compositeur à l’autre avec l’aisance et une grande maturité. Construit mais puissant dans Beethoven, d'une largeur sonore impressionnante dans Rachmaninov, coloriste dans Balakirev, lyrique dans Tchaïkovski et percussif dans Prokofiev, il pare chaque partition de sa couleur propre et de sa poésie toute personnelle.
Amala Dianor envoie dans l’espace neuf interprètes venus de planètes différentes : danseurs classiques et performeurs urbains. Cela prendra pour la première fois, la forme d’un ballet pour une constellation de corps - tous jeunes, au plus fort de leurs possibilités - et de techniques. Mais ce qui intéresse finalement le chorégraphe hip hop formé à la danse contemporaine, c’est de déjouer leur virtuosité. En quelque sorte la gommer pour mieux la faire ressurgir, en creux. Tous de noirs vêtus, ces jeunes femmes et hommes passent d’un registre à l’autre avec aisance et fluidité, métissent les genres, assimilent les registres. Au-dessus de leur tête pend la sculpture imaginée par le plasticien Clément Debras, qui s’allume par intermittence. Un vaisseau spatial ? Une comète prête à tomber ? Un repère en tout cas pour situer ces jeunes étoiles dans cette constellation chorégraphique d’une puissance rare.
Késako, la moulinette ? Une petite forme mélodique ou rythmique qui tourne en boucle, à la façon d’une roue. En un mot : une répétition, une loop, une boucle, procédé utilisé dans presque toutes les musiques, traditionnelles ou électro. Le Maxiphone s’est amusé à en fabriquer de toutes sortes, de toutes formes : artisanales, bricolées, rigolotes. À base de bois, de métal, de plastique, de terre cuite. Elles peuplent la scène et composent des mouvements sonores, naviguant des musiques improvisées aux transes traditionnelles. Puisque ça bouge partout, tout le temps, le danseur Eric Fessenmeyer est venu accorder son corps aux boucles sonores. Sans oublier les deux musiciens, Fred Pouget, avec clarinette et cornemuse, et Fabrice Favriou à la batterie, à l’harmonium et à la guitare. Tous trois pas du tout miniatures, mais sacrément décidés à nous faire tourner en rond et en musique !
Dans une architecture futuriste qui n’est pas sans évoquer un vaisseau spatial, Martin Palisse fait jongle en gardant dans un coin de tête 2001, l’Odyssée de l’espace, le film-chef d’oeuvre de Stanley Kubrick. Son nouveau solo Futuro Antico étire l’espace-temps, cherche à tracer un rituel du futur entre jonglage et transe futuriste. Sur ces dalles lumineuses, le circassien en combinaison phosphorescente joue avec le temps comme avec les balles qui s’envolent, superpose les couches d’images, de citations, et de lumières. Martin Palisse, à la tête du Pôle Sirque de Nexon, vient ici en voisin et en artiste d’expérience, au sommet de son art si épuré du jonglage. Adepte de musiques électroniques, il convie autour de lui le musicien Cosmic Neman, mais aussi le metteur en scène Halory Goerger et l’éclairagiste Alice Dussart, pour propulser le spectateur bien au-delà des seuils attendus du spectaculaire. Dans une transe hypnotique, quelque part au milieu de l’infini.
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Le facétieux Marc Lacourt invente une danse de la serpillière. Jamais à court d’idées pour bricoler des histoires chorégraphiques à partir d’objets tout simples, le danseur-chorégraphe imagine un destin spectaculaire à ce bout de tissu gris, souvent détrempé, et rarement associé à des moments magiques. À moins que… à moins qu’il ne s’élance dans les airs, et tournoie comme par magie au-dessus de nos têtes… et là, avec un peu d’imagination et beaucoup de fantaisie, voici la serpillière devenue l’égale de la Joconde du tableau… ou du grand danseur Nijinski.
L’air de rien, Marc Lacourt propose là une pièce qui interroge sur ce qui fait art – ou pas –, sur ce qui nous touche – ou pas. Promis, dans cette danse ready-ménagère, les enfants ne seront pas laissés au placard. Et devront sûrement jouer un autre rôle que celui de sages spectateurs taiseux…
2ème solo : Parades Nuptiales en Turakie
L’amour façon Turakie occupe ces deux numéros concoctés et interprétés par l’un et l’autre des artisans du Théâtre Turak, Michel Laubu et Emili Hufnagel. Ils offrent chacun leur tour un regard tendre, décalé, déglingué sur l’amour. Et dans ces deux histoires, pas sûr qu’à la fin ils se marièrent et eurent… Parades nuptiales est une variation manipulée autour du coup de foudre, si beau dans les films, si… compliqué en vrai ! À l’heure des sites de rencontres et des applis qui sonnent à chaque fois que ça « matche », Michel Lauburappelle les règles des parades amoureuses des marionnettes et animauxen Turakie, inscrites, rien que ça, au Patrimoine mondial de l’humanité ! Chaussure(s) à son pied questionne le mythe du prince charmant. Au milieud’un décor rouge sang et en robe de mariée, Emili Hufnagel déchaînée dézingue avec humour et délicatesse les stéréotypes des contes, non sans faire écho à chacune de nos histoires amoureuses.
« L’impulsion de ce projet est avant tout mon envie de réunir Julie Guibert et Kerem Gelebek, interprètes emblématiques de mes créations. Puisant dans le large répertoire des “danses de couples”, ad noctum s’inscrit dans une recherche chorégraphique qui tente de redonner une visibilité actuelle à des motifs issus de pratiques de la danse populaire et parfois anonyme. Une écriture à la marge du trop plein et au centre de l’invisible, entre cycles tournoyants, jaillissements nerveux et retenues au bord de l’évanouissement. À leurs côtés, un totem/monolithe combinant lumière, son et images s’invite comme troisième protagoniste, porteur d’un langage propre, tout comme une caisse de résonance amplifiée aux relations dansées.
Cette pièce, hommage à l’obscurité, est de nouveau l’occasion d’émettre une partition paysage où la musique cinématique de Nicolas Devos et Pénélope Michel dialogue avec les vibrations lumineuses de Caty Olive et les images de Iuan-Hau Chiang et Sophie Laly. »
— Christian Rizzo, mai 2015
Le quartet emmené par le clarinettiste Pierre Lordet a fait mouche dès son premier album Blind Man Running, accueilli plus que chaleureusement. Big Birds Flying - titre emprunté à une chanson de Neil Young -, leur 2e opus, dévoile dans son nom le programme : une musique planante au-dessus d’une terre en péril. Derrière Pierre Lordet, qui compose, Anne Quillier aux claviers, Lucas Heckberg à la guitare, Clément Black à la batterie construisent une atmosphère aussi ordonnée que chaotique, faite d’envolées en terres transe, de grands virages jazz, d’embardées en rock progressif.
Si le pianiste Jérémie Ternoy était déjà célèbre dans le monde du jazz, sa rencontre avec les musiciens Nicolas Mahieux et Charles Duytschaever - tout aussi nordiques que lui - a posé un style, à la fois pur, cristallin et habité. Depuis 2003, le classique trio piano-basse-batterie, offre des sessions lyriques à souhait, délicates et fiévreuses, plus contemporaines et épurées d’autres fois, puisant danse la musique sérielle et répétitive. Le paysage musical offert par le trio est aussi large et dégagé que les horizons de leur plat pays.
C’est l’histoire de boîtes à meuh qui émettent de drôles de bruits et d’une femme-orchestre, tailleur strict et casque sur la tête, qui voudrait bien en garder le contrôle depuis son escabeau. Seul être humain parmi cette architecture de soixante boîtes métalliques perchées sur un long pied de métal, elle se cherche un chemin dans cette forêt de Blocks, qui recomposent la ville à grands bruits. Grincements, klaxons, sirènes et bruits de chantiers. Les Blocks n’en font qu’à leur tête et s’émancipent de la tutelle humaine dans une grande symphonie de musique concrète, que l’on doit à Frédéric Lebrasseur et Thomas Sillard. Telle une enfant confrontée à un monde d’adultes qui lui résisterait, Cécile Garnavault, habile marionnettiste et comédienne de la compagnie La Boîte à sels, apprend à jongler avec l’imprévu de ces objets sonores indisciplinés. Et peu importe qu’elle perde pied, que sa tenue se relâche, que l’anarchie guette. Ne serait-ce pas là qu’elle gagne en humanité ?
Olivia Grandville s’intéresse aux pulsations des pow wow, aux tambours, aux danses et musiques des peuples décimés de l’Amérique d’avant les colons. Autour d’un igloo de bâche blanche, tipi précaire, cabane fragile, les cinq danseuses mènent le rituel en moonboots, tunique à franges et casques de chasseresses. Leurs gestes ravivent l’éclat de ces danses ancrées dans le sol, où les corps vibrent à coups de grandes enjambées, tremblements, glissés chassés. La pulsation du percussionniste présent au plateau conduit le cercle, impose les tempos, devient le cœur battant de la pièce, comme il fut « le battement du coeur du peuple ». A l’heure des questionnements sur la ré-appropriation culturelle, la chorégraphe avance finement. Elle n’imite pas une danse chargée de symbole, elle la digère et la fait briller à l’aune de son parcours de danseuse classique, contemporaine.
Au début du Roi Lear il y a un héritage. Celui de Lear à ses filles. D’un roi-tyran à ses enfants. Le metteur en scène Julien Guill de la compagnie provisoire choisit d’appuyer sur cette notion de transmission entre générations pour nous passer à son tour ce monument théâtral shakespearien, qui circule depuis 1606. Que léguons-nous à nos enfants ? Qu’ont-ils reçu de ceux qui les ont précédés ? La mise en scène est volontairement épurée, les rôles partagés entre quatre comédiens - deux hommes et deux femmes, entre la trentaine et cinquantaine. Ils sont tous ces enfants qui racontent leurs pères, qui les observent périr, qui assistent à la dérive d’un roi déchu jusqu’à sa mort. Ramené à l’os, ce Roi Lear touche d’autant plus qu’il se répand dans la salle et dans les gradins, entre répercussion physique et résonnance émotionnelle, il nous interpelle. Car ne sommes-nous pas nous tous, aussi, les enfants de Lear ?
« Prenez une profonde inspiration et suivez-moi. Maintenant, vous êtes noire. » Noire, comme Claudette Colvin lycéenne, lycéennes de Montgomery, Alabama, en 1955. Moins connue que Rosa Parks, elle refusa en son temps dans un bus de céder son siège à une passagère blanche. Elle ira même plus loin, et attaquera la ville en justice. Une première dans l’histoire des Etats-Unis ségrégationnistes. Lucie Nicolas et Charlotte Melly du collectif F71 s’emparent de cette histoire méconnue dans un magnifique roman graphique et théâtral, inspiré de la bande dessinée de Tania de Montaigne. Installée à une table, Charlotte Melly dessine en direct, et projette ses dessins en fond de scène. Sophie Richelieu prend en charge tous les personnages de l’affaire, chante, s’adresse directement au public. Noire est une expérience de l’empathie. C’est aussi et surtout une fabuleuse enquête historique, menée crayon battant, qui redonne forme et voix à une héroïne oubliée du 20e siècle.
I am not of this planet.
I do not come from you.
I am not like you.
Nina Simone
Dans sa toute nouvelle création, David Geselson s’attaque au monument Nina Simone en prenant bien soin de déjouer les pièges de l’incarnation. Car comment représenter au plateau celle qui se disait « d’une autre planète » ? La chanteuse constitue un monde en soi, à la fois personnage de révolte, de rage, de génie, de souffrance, dont les origines remontent aux esclaves africains et aux amérindiens décimés. Le silence et la peur ne sera donc pas un portrait, mais un faisceau de présences puisées dans quatre siècles d’histoire nord-américaine et dans la trajectoire de celle qui est née Eunice Waymon, en Caroline du Nord dans les années 30. Les voix se croisent, les personnages aussi, de Christophe Colomb à l’historien américain Howard Zinn, en passant par les figures des luttes pour les droits civiques. Autant d’échos à une voix déchirante et fragile portée ici, en français et en anglais, par des artistes des deux continents.
« Jeune Noir à l’épée est d’abord le titre d’une peinture de Pierre Puvis de Chavannes qui m’a bouleversée*. » Abd al Malik s’empare de cette figure du xixe siècle pour en faire un homme contemporain en révolte.
« Du plus profond de mon propre vécu, je savais bien d’où venait la lutte de ce jeune Noir pour quitter la rue et la haine, sans abandonner les siens ». Cette performance puissante et singulière allie textes, art pictural, musiques et danse, pour dire les aspirations d’un homme en lutte. Émerge alors une réflexion passionnante sur l’identité à l’ère de la mondialisation, invoquant tour à tour Baudelaire ou Édouard Glissant.
Salia Sanou signe la chorégraphie de ce spectacle percutant, porté par la poésie slamée, déclamée, rappée et chantée d’Abd al Malik. Magistral !
*Présentée à l’origine dans le cadre de l’exposition Le modèle noir, de Géricault à Matisse au musée d’Orsay en 2019.
« Un voyage ça se commence n’importe quand – de n’importe où ». Et pourquoi pas dans une salle de classe ? La compagnie Les Nuages noirs transpose Les Voyages de Gulliver de Jonathan Swift de l’Angleterre du xviiie siècle à notre époque. Le Lemuel de Swift était chirurgien. Celui des Nuages noirs est un collégien. Ce qui les relie ? L’envie d’échapper à la banalité du monde, et de fuir ce que la société dessine pour eux – autant dire, rien de très réjouissant.
Alors Lemuel rêve les yeux ouverts, divague, et se lance dans une fuite en avant pleine de rebondissements. Ce voyage initiatique se transforme en épopée fantastique. Le théâtre des Nuages noirs, s’adressant essentiellement au jeune public, est toujours baigné d’un univers sonore. Ici, un musicien accompagne les trois comédiens dans une épopée satirique et merveilleuse où les chiens parlent et les Lilliputiens existent pour de vrai. Ou comment l’imagination peut soulever des montagnes, et permettre à chacun de se frayer un chemin dans ce monde. Même depuis une salle de classe…
Persona
Comme personnes. Comme personnages. Comme une percée, sous les masques. Comme un sonar, des autres et de soi
Persona : tout personnel.
Persona est le sixième album de Bertrand Belin, treize ans après l’inaugural Bertrand Belin. Dans l’intervalle, il y a eu Cap Waller, Parcs, Hypernuit, La Perdue. Et autant de tournées, du cinéma aussi, du théâtre, des bandes originales, des collaborations-compagnonnages et deux romans. Mouvement incessant de celui qui cherche, sonde, songe, se pose et s’élance. Mouvement vivant et vivace qui n’a de cesse de le rester. Bertrand Belin de Quiberon, amarré à Paris depuis vingt ans, passe sa vie à passer des caps. Comme toujours chez lui, on entrevoit des solitudes, des ruptures, des départs, des déclassements, thèmes totémiques et récurrences émotionnelles. La voix est tenue, contenue, mais guitares, claviers (Thibault Frisoni) et batterie (Tatiana Mladenovitch) sonnent l’alarme, l’urgence. Persona danse avec les clochards célestes. Entre cendres et brasier, limbes et Belin.
Nez, pic, péninsule. Gascon, Rostand, Roxane. Cyrano de Bergerac est un mythe du théâtre français. Une saga épique en cinq actes, cinquante personnages et 2000 vers en alexandrin. Le monter est un véritable exploit, que relève l’effervescente troupe de Lazare Herson-Macarel, la Compagnie de la jeunesse aimable, lors d’un vrai moment de théâtre populaire, qui carbure à l’énergie et à l’économie. Sur la scène les panneaux mobiles aussi sobres que chatoyants, construisent tour à tour le balcon ou le siège d’Arras. Les costumes naviguent entre les styles et les âges, non situés historiquement. Exit le pittoresque et le folklore de Cyrano, place à la jubilation de la langue d’Edmond Rostand, qu’ils portent brillamment à dix, Eddie Chignara en tête dans le rôle phare. Les deux musiciens - à la batterie et à la viole de gambe - ne sont pas pour rien dans le rythme endiablé de ce festin de mots et de gestes.
Dans une pièce calcinée, où le noir envahit tout, s’élève la cinquième symphonie de Gustav Mahler. Sur ce monde de ruines fumantes, Jeanne Candel, Caroline Darchen et Lionel Dray épousent la puissance de la musique, la combattent, ou la déjouent. Passé le prologue, ils ne piperont plus mot, choisissant des dialogues chantés, des cris et des danses au milieu de tout un tas d’objets hétéroclites. Cette Demi-véronique, titre inspiré d’une figure de tauromachie de la suspension, offre une collection de bruissements, de craquements où surgit parfois l’improbable : une hache qui fracasse le mur, une fée recyclée en sorcière, des sacs à fumée, un poisson sauteur, des biscottes. Peut-on décrire ce qui se joue là au plateau? Non. Ce ballet théâtral ne ressemble à nul autre, s’inscrivant dans cette « oscillation entre une humanité sans limite et quelque chose que l’on pourrait classer du côté de la parodie, de l’ironie », selon les mots qu’utilise Jeanne Candel pour décrire la singularité de cette symphonie mahlerienne.
Sylvain Creuzevault
Une grande aventure théâtrale servie par le formidable talent des treize acteurs improvisateurs ! Chaque représentation est suivie d’un repas partagé, n’oubliez pas d’apporter votre spécialité !
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